CURRENTS de Jake Oleson est un film VR180 immersif réalisé pour l’Apple Vision Pro en partenariat avec Vimeo, qui raconte l’histoire d’une femme vietnamienne bouleversée par le passage de la vie rurale à la ville. Mêlant visuels stylisés, son spatial et histoires réelles, Oleson explore les thèmes de l’identité, de la transformation et des forces invisibles qui nous façonnent. Dans cet entretien, il évoque les origines du film, les risques créatifs et la manière dont les nouvelles technologies ouvrent la voie à une narration plus profonde.
Cover: CURRENTS set photo
CURRENTS est un film immersif né de l’histoire d’une femme vietnamienne qui rêvait de quitter la campagne pour s’installer à Hanoï, mais qui s’est retrouvée submergée par la ville. Il explore notre relation complexe avec les environnements urbains, les sacrifices consentis pour le progrès et les courants internes et externes qui façonnent nos vies. Développé en partenariat avec Vimeo pour l’Apple Vision Pro, le film utilise le VR180, le son spatial et des visuels stylisés comme des nuages de points pour approfondir les thèmes du coût personnel, de l’identité et de la pression sociétale. Entretien avec le réalisateur Jake Oleson.
CURRENTS – Synopsis
Origine et inspiration du projet
Jake Oleson – Je m’appelle Jake Oleson. Je suis cinéaste, musicien électronique et artiste multidisciplinaire. Je raconte des histoires en utilisant des outils qui m’excitent, d’une manière qui me semble différente et qui me met mal à l’aise. Il y a quelques années, une de mes amies a créé au Viêt Nam une société de production appelée Bun Cha. Elle m’a raconté l’histoire d’une femme qui vivait dans la campagne vietnamienne et qui rêvait de s’installer à Hanoï. Elle a déménagé à Hanoï et a fini par le détester. C’était trop, une vraie surcharge sensorielle.
J. O. – C’était une histoire que je cherchais à explorer par le biais d’une vidéo musicale, et c’est alors que Vimeo m’a contacté au sujet d’un partenariat avec Apple pour créer une application Vimeo pour l’Apple Vision Pro. Ils voulaient me confier la réalisation d’un projet qui inciterait les cinéastes à s’intéresser à l’immersion en tant que moyen de communication.
J. O. – Je n’avais jamais réalisé de projet VR auparavant, mais j’avais expérimenté la technologie de balayage 3D et les outils d’IA, et je pense qu’ils me voyaient comme un artiste qui n’avait pas peur d’expérimenter, mais aussi de suivre des histoires qui avaient un noyau émotionnel. Je leur ai donc présenté l’histoire d’une femme au Viêt Nam qui rêvait de s’installer en ville, en explorant notre relation aux villes et le coût – ou ce que nous sacrifions pour aller de l’avant – et ce que c’est que d’essayer d’aller au-delà des marées de l’énergie sociétale qui nous pousse à aller de l’avant.
J. O. – J’avais un scénario partiel et je me suis rendu au Viêt Nam quelques semaines avant le tournage et j’ai parlé à de nombreux jeunes qui avaient eux-mêmes quitté la campagne vietnamienne pour s’installer en ville. Cela m’a permis de donner plus de vie à l’histoire, et de me sentir plus à l’aise dans l’idée qu’il s’agissait d’une représentation fidèle de l’expérience vécue par les gens.
Approche technique et choix créatifs
J. O. – Il y avait la possibilité d’essayer de filmer avec certaines des caméras d’Apple, mais le processus semblait très lent, et nous avons également entendu des histoires sur la complexité de travailler avec du matériel expérimental qui n’est pas disponible pour le public. Ce n’est pas toujours l’idéal pour les environnements à haute altitude, à forte humidité et intenses. Une autre raison était que je voulais filmer avec un matériel accessible à tous. Nous avons donc utilisé le kit du créateur immersif de Canon. Vous pouvez l’obtenir pour moins de 5 000 dollars. Je voulais montrer aux autres réalisateurs qu’il est possible d’obtenir des images de qualité cinématographique avec un kit à très petit budget.
J. O. – La dernière partie concernait l’empreinte écologique. Je voulais que l’empreinte soit la plus faible possible au Viêt Nam. Nous avons environ 15 acteurs en dehors de nos deux acteurs principaux. Les autres sont essentiellement des personnes qui vivaient leur vie à Saigon et à Ninh Binh. La présence d’une caméra massive n’est pas propice à une présence invisible. Il y a toujours des gens qui regardent fixement, mais cela fonctionne en fait avec l’histoire d’une manière que j’ai appréciée.
J. O. – Le cinéma immersif stéréoscopique à 180 degrés est celui qui me semble le plus proche de la présence d’un sujet et de l’intérieur de l’histoire, tout en ne limitant pas le cinéaste à déplacer la caméra et à avoir une équipe, des éclairages et du matériel de l’autre côté. Quand on commence à faire du 360°, il y a beaucoup de limites à ce que l’on peut faire et à l’attention du spectateur. Le 180 est un juste milieu qui permet de se situer entre les pratiques cinématographiques traditionnelles en deux dimensions, du point de vue de la narration, tout en étant immersif, en plaçant quelqu’un dans un environnement. Je pense que 360 est une expérience totalement différente, belle, immersive et étonnante, mais je ne suis pas aussi intéressé par des projets de forme libre de ce type, du moins à ce stade.
J. O. – Se pencher sur ce que le Vision Pro peut faire – ce que le cinéma 2D ne peut pas faire – a été une partie intégrante de la conception de cette histoire. Nous avons un personnage qui découvre un lieu pour la première fois, un spectateur qui découvre un lieu pour la première fois. L’histoire est suffisamment simple pour que l’on puisse s’en détacher. On peut s’intéresser aux détails périphériques et ne pas se laisser enfermer dans l’histoire de Lynn, tout en ayant une compréhension approximative de ce qui se passe. J’ai essayé de faire en sorte que l’histoire soit suffisamment méditative et ouverte pour ne pas obliger les gens à suivre une succession d’événements, tout en leur donnant l’impression qu’ils pouvaient s’y plonger quand ils le souhaitaient. Mais cela signifie que j’ai dû réduire la complexité des personnages auxiliaires et des dialogues.
Utiliser les nuages de points comme métaphore
J. O. – Une scène du film utilise des nuages de points. Cette scène est née de conversations que j’ai eues avec un DJ à Saigon. Nous parlions de délires et d’expériences spirituelles et transformatrices sur la piste de danse.
J. O. – Je n’arrêtais pas de voir l’image de cette personne luttant contre ce courant. Cela a évolué vers une expérience viscérale sur la piste de danse où le personnage principal, Lynn, est soudainement plongé dans un état nostalgique où elle pense à sa maison, à sa mère, à tout le chemin qu’elle a parcouru. Puis, très vite, tout est effacé – le lieu, l’espace, le temps – jusqu’à ce qu’elle ne soit plus qu’un système minimal, presque nerveux, figé dans le temps, dans les rues de Saigon. Et ce courant d’énergie particulaire, ce flux de millions de personnes se déplaçant de la campagne à la ville, commence à lui arriver. Elle se bat contre ce courant, et pendant qu’elle se bat, des morceaux de ce courant la frappent, et elle devient de plus en plus pleinement formée et réalisée en tant qu’être humain.
J. O. – En écoutant ces jeunes parler de leur déménagement dans une nouvelle ville, j’ai appris que beaucoup d’entre eux perdaient leur accent. Ils vivaient à la campagne, parlaient d’une certaine manière, venaient en ville et parlaient d’une autre manière parce qu’ils ne voulaient pas donner l’impression qu’ils venaient de la campagne. Ils se transformaient. Et cette transformation, qui consiste à choisir son identité, à s’appuyer sur ce que nous sommes, sur ce que nous pouvons être, mais aussi à être façonné par les forces qui nous entourent – la société, l’époque à laquelle nous sommes nés, l’endroit où nous sommes nés – est un processus sensoriel vraiment évocateur et compliqué, très émotionnel, viscéral et symbolique. Je ne pense pas que j’aurais pu trouver un moyen d’exprimer cela par le seul biais de l’action en direct.
J. O. – Nous avons donc scanné le Bui Vien, la rue très colorée où notre personnage principal a une crise de panique. Nous avons pris des milliers de photos, utilisé Nerfstudio pour les transformer en un scan de champ de radiance neuronal, que nous avons ensuite transformé en nuage de points et animé. Nous avons travaillé avec Charlie Kemp, un animateur londonien très talentueux, pour animer le nuage de points. Nous avons ensuite travaillé avec une chorégraphe extraordinaire, Amy Gardner, et l’artiste du mouvement Mio, et nous avons tourné à Onassis, à New York. Nous avons vraiment commencé à nous pencher sur ce que ce personnage vivait intérieurement à travers le mouvement plutôt qu’à travers le dialogue, l’histoire ou les moyens conventionnels.
Le rôle de la musique
J. O. – J’étais à Amsterdam lorsque Vimeo m’a contacté. Je n’avais pas accès à un Apple Vision Pro, mais je connaissais l’histoire que je voulais raconter. J’ai donc commencé à écrire de la musique à Amsterdam, au Dekmantel. J’ai simplement jeté un tas de choses sur un mur, en travaillant avec des éléments percussifs organiques et des synthés chauds qui semblent être une pulsation respiratoire. Cette chanson avait cet élan vers l’avant qui m’intéressait, qui ressemblait à l’histoire d’une personne se déplaçant dans un nouvel espace pour la première fois.
J. O. – Lorsque j’étais au Viêt Nam, j’ai commencé à affiner la partition, à la travailler davantage, à enregistrer les sons de la ville, puis à l’écouter lorsque je me trouvais dans les différents lieux de tournage pour voir comment les mouvements de caméra ou les actions seraient perçus, et comment ils étaient liés à la tonalité des histoires que ces jeunes me racontaient à propos de leurs propres expériences subjectives.
J. O. – J’aime vraiment entrer en contact avec un lieu, une personne ou une histoire par le biais du son. C’est beaucoup plus intuitif, et c’est comme un niveau d’intelligence plus profond qui a beaucoup plus d’impact que n’importe quelle chose que je pourrais intentionnellement m’asseoir et essayer de concevoir.
Travailler avec Apple Vision Pro
J. O. – La première fois que j’ai essayé le Vision Pro, j’ai été surpris par la fidélité. J’ai été choqué. J’avais l’impression que des gens allaient vivre dans cet appareil. L’ironie de capturer cette histoire sur le Vision Pro ne m’a pas échappé. Je me suis rendu compte qu’il s’agissait d’un support assez particulier pour explorer ce sujet. Cela peut paraître prétentieux, mais je voulais créer un précédent et faire un film qui pourrait inciter les gens à donner la priorité à l’histoire et à ne pas être obsédés par le spectacle et l’évasion.
J. O. – La VR est comme un médium magique qui a le pouvoir de faire évoluer les esprits et de changer les cœurs. Elle pourrait aussi être utilisée contre nous. Je veux faire partie du mouvement des artistes et des conteurs qui utilisent ces outils pour se connecter à eux-mêmes plus profondément et se connecter les uns aux autres, à la fois dans le casque et en dehors du casque.
J. O. – Le processus de montage était différent en ce sens qu’on ne pouvait pas vraiment ressentir la qualité spatiale et immersive parce qu’on regardait cette étrange chose plate et équirectangulaire. J’ai monté le film avant de le tourner. J’ai pris beaucoup de photos spatiales avec des doublures. J’ai ensuite monté le tout dans Premiere, puis je l’ai regardé dans le casque pour me donner une idée du rythme. Je fais souvent cela avec mes publicités, car lorsque vous travaillez avec 30 secondes, je veux être sûr que tout va se dérouler de manière logique. Avec ce projet, et en travaillant en VR pour la première fois, c’était la seule façon pour moi d’être sûr que cela n’allait pas embrouiller les gens et être trop abrasif.
J. O. – Je pense qu’après COVID, dans un monde Internet TikTok sursaturé, nous avons faim de sens, de présence et de connexion. Appuyons-nous sur ce que nous sommes les seuls à pouvoir faire, qu’il s’agisse d’un de nos centres d’intérêt ou d’une histoire qui nous obsède, même si elle n’entre pas dans le cadre de l’algorithme. Travailler avec le Vision Pro est un espace si frais et si fertile pour expérimenter. C’est ici que nous pouvons montrer aux gens à quoi cette technologie peut servir.
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