« Nous évoluons vers une programmation interdisciplinaire, l’immersion étant la sixième forme d’art » – Luke Kemp (Barbican Immersive)

En attendant l’ouverture d’une nouvelle exposition passionnante au Barbican Centre de Londres, intitulée Feel the Sound (22 mai – 31 août), nous avons eu la chance de nous entretenir avec Luke Kemp, responsable du programme créatif d’Immersive.

Notre conversation a été l’occasion de réfléchir à l’importance croissante des expériences immersives dans le paysage culturel actuel, de discuter de leur interaction avec d’autres formes d’art et de la manière dont le Barbican, acteur de longue date de la scène artistique et culturelle londonienne, peut servir de plateforme pour la distribution et la promotion de productions immersives à l’échelle mondiale.

Cover: Kinda Studios and Nexus Studios, Your Inner Symphony, 2025, concept image courtesy of the artists

Une vue d’ensemble de l’immersif au Barbican

LUKE KEMP – Je dirige le département Barbican Immersive avec mon collègue Patrick Moran (a/n Head of Commercial Strategy and Partnerships), et notre travail comporte deux aspects.

Il y a le côté créatif, qui se concentre sur les nouvelles productions dont je suis le fer de lance, et puis il y a les tournées et les partenariats commerciaux. Nous considérons que notre approche de l’immersion est étroitement liée à la manière dont nous envisageons l’aspect commercial des choses.

En fait, à bien des égards, l’immersif est pour nous le fruit d’années de programmation, à la fois dans notre département et dans l’ensemble du Barbican Centre.

Nous avons toujours adopté des approches multidisciplinaires et multiformats. Nous ne travaillons pas seulement avec des artistes, mais nous collaborons avec un large éventail de personnes : scientifiques, universitaires, architectes, ingénieurs, concepteurs de jeux vidéo, philosophes, écrivains. La liste est longue et nous voulons continuer à l’allonger. Pour nous, si quelqu’un apporte un point de vue qui correspond à l’histoire que nous voulons raconter, nous pouvons nous réunir et construire quelque chose autour de ce point de vue.

Les grandes expositions que nous produisons tous les deux ans au Barbican sont coproduites et commandées. Nous créons donc des productions originales, générant notre propre propriété intellectuelle et notre propre contenu, qui tourneront ensuite pendant au moins cinq ans.

Un autre aspect important de notre approche actuelle est la connaissance approfondie du public. Nous avons recueilli beaucoup de données et mené des recherches, non seulement pour décider ce que nous allions présenter, mais aussi pour comprendre ce que nos publics recherchent réellement.

Cela nous aide à attirer de nouveaux publics au Barbican, des personnes qui recherchent quelque chose de différent de ce que les centres culturels et les musées offrent généralement. Nous voulons être les premiers à proposer un contenu expérientiel, de sorte que les visiteurs sachent qu’ils auront accès à une programmation régulière et à des expériences XR, dès l’année prochaine et à l’avenir.

L’immersion comme sixième art

L. K. – À cet égard, le Barbican a mis en place une nouvelle stratégie d’audience. Dans le cadre de la vision artistique de notre nouvelle directrice des arts et de la participation, Devyani Saltzman, l’accent est mis sur la programmation inter-arts. Nous avons ici toutes les formes d’art – musique, théâtre et danse, cinéma, arts visuels, collaborations créatives – et maintenant l’immersif, que nous considérons comme la sixième forme d’art.

Nous nous préparons également à lancer une nouvelle commande annuelle que nous espérons présenter au printemps prochain. Il s’agira d’une nouvelle offre civique, qui témoignera de notre engagement en faveur d’une programmation numérique et XR cohérente au Barbican.

Tout cela est important, car en tant que centre culturel très diversifié, nous avons la possibilité d’établir une véritable programmation croisée et de réfléchir à la manière dont nos publics peuvent s’engager dans tous les domaines de notre offre. Nous y pensons souvent en termes d’accueil des visiteurs lorsqu’ils arrivent au centre. Dès que vous entrez, nous voulons que vous sachiez que vous êtes dans une organisation culturelle et que vous allez rencontrer l’art sous de nombreuses formes. Et maintenant, nous voulons inclure le numérique dans cette première impression.

Il s’agit donc d’intégrer les gens à l’expérience Barbican. Bien sûr, si vous devez vous perdre quelque part, c’est probablement ici – et les gens se perdent ! (rires) Mais il y a quelque chose de charmant à cela.

En même temps, nous voulons aider à guider les gens dans l’espace. Ce type de programmation interdisciplinaire de grande envergure peut vraiment soutenir ce voyage.

Feel the Sound : une nouvelle exposition à partir de l’été 2025

L. K. – Feel the Sound, notre nouvelle exposition prévue pour l’été 2025, est développée en partenariat avec le Museum of Narratives, un nouveau musée qui ouvrira ses portes à Tokyo en 2026, conçu par Kengo Kuma. Ils ont été des partenaires incroyables, impliqués dès le début dans l’élaboration de ce type d’expérience d’exposition.

Ce que nous faisons avec cette exposition est vraiment la première étape de la définition de notre idée de l’immersif. Feel the Sound est ce que nous appelons le « tentpole » de l’été. Autour d’elle, nous construisons toute une saison intitulée Frequencies : The Sounds that Shape Us, qui explorera la manière dont d’autres départements du Barbican réfléchissent à la façon dont le son nous façonne et nous définit.

Dans le cadre de Feel the Sound, nous présenterons une nouvelle version de IN PURSUIT OF REPETITIVE BEATS, le projet d’East City Films de Darren Emerson. Il s’agit d’une version multijoueurs qui sera présentée pour la première fois à Londres, ici au Barbican, et nous sommes très, très enthousiastes à ce sujet. Elle se déroulera dans notre espace flexible The Pit, marquant un nouveau type d’expérience pour cet espace.

Dans le programme, il y a aussi un programme inter-arts d’un mois, Rebel Radio, qui explore la radio en tant qu’espace de communauté, de créativité et de subversion, dirigé par notre équipe Collaborations créatives, et bien sûr l’équipe Musique contribuera, avec l’équipe Cinéma, à notre Cinéma en plein air à la fin du mois d’août, du 21 au 31. Tous ces projets explorent les différentes façons dont le son nous affecte.

Pour notre département, il s’agit d’un premier pas vers la production de grandes expositions, mais aussi vers l’offre d’un plus large éventail de contenus aux visiteurs.

Cela fait partie d’une approche plus large, qui place le contenu immersif et XR au même niveau que les autres formes d’art. Elle apporte cet esprit de collaboration entre les départements, en tirant les choses vers le haut. Bien sûr, nous aurons toujours nos moments individuels, mais lorsque nous pouvons former ce genre d’alliances, je pense que c’est vraiment excitant et significatif. Et honnêtement, je pense que c’est aussi ce que veut le public.

Lorsque les gens viennent au Barbican, ils viennent souvent pour quelque chose de spécifique parce que c’est un lieu de destination, mais nous réfléchissons de plus en plus à la manière dont nous pouvons élargir l’offre que nous partageons avec eux. Ce que nous voulons dire, c’est qu’il faut venir traîner, passer du temps ici, explorer. Peut-être vous perdrez-vous un peu… mais profitez-en.

Les enjeux d’une exposition sur le son

L. K. – Une chose avec laquelle nous nous débattons vraiment, c’est la façon de parler de l’immersion sonore.

Lorsque les gens pensent aux expériences immersives, ils imaginent souvent quelque chose de très visuel. Mais ce que nous avons réalisé avec Feel the Sound, c’est qu’il n’y a pratiquement pas d’écrans dans l’exposition ! Il y en a quelques uns, bien sûr, mais tout tourne autour de l’expérience sonore. Et cela a posé un défi très pratique : le simple fait d’obtenir des images de presse a été difficile, car comment représenter visuellement le son ?

Mais, en même temps, c’est aussi ce qui rend la chose passionnante : cela signifie que le public doit être présent. On ne peut pas l’enregistrer, on ne peut pas le reproduire. Ce n’est pas quelque chose que l’on peut regarder en streaming chez soi ou sur un écran. Il faut être dans cet espace, dans ce moment.

Et c’est là, selon moi, l’un des aspects les plus puissants des œuvres immersives : elles invitent les gens à se détacher de tout le reste et à être simplement présents. Même si ce n’est que pour un moment, cela vous permet de vous détacher des choses. Et avec ce type d’expérience sonore, c’est ce que nous essayons de permettre. Il ne s’agit pas seulement d’entendre, mais aussi de ressentir. C’est texturé. Cela va au-delà de l’audio et devient quelque chose de plus. Après tout, le son est fondamental pour chacun d’entre nous.

Mais, pour cette même raison, lorsque nous avons décidé de faire un spectacle sur la musique et le son, nous avons dû nous poser la question suivante : comment capturer quelque chose d’aussi vaste ? Finalement, nous avons décidé de nous concentrer sur l’idée que nous sommes tous essentiellement des êtres sonores. Que se passe-t-il lorsque vous écoutez avec tout votre corps ? Cette expérience peut-elle vous aider à redécouvrir quelque chose sur vous-même en tant qu’être musical ?

Une autre des œuvres que nous présentons dans cette exposition est réalisée par Domestic Data Streamers et est basée sur un projet de 2016 intitulé à l’origine The Time Keeper, basé sur une œuvre qu’ils ont créée pour le Sonar Festival en 2016 et qui s’intitule désormais Forever Frequencies. Pour ce faire, nous avons posé deux questions à quatre collaborateurs : la compositrice Suzanne Ciani, l’architecte Kengo Kuma, le producteur de musique électronique et techno Max Cooper et la compositrice Maria Arnal : Quel est le souvenir musical que vous aimeriez revivre ? et Quel est le moment musical qui compléterait l’histoire de votre vie ? Ces réponses sont transformées en données, puis en musique. Vous entendez donc une version sonifiée de vos souvenirs passés et potentiels. Ce mélange de nostalgie, de musique et de mémoire est incroyablement excitant et important.

Et puis il y a une dernière pièce, Joyride, qui ouvrira pour la première fois le parking de la Barbican. Nous créons une grande installation sonore avec quatre voitures, chacune équipée d’un système de sonorisation, en collaboration avec le collectif d’architecture rave Temporary Pleasure.

Cette pièce s’appuie sur la nostalgie, car presque tout le monde a un lien entre les voitures et la musique. Lorsque nous organisions des ateliers, l’un des premiers souvenirs musicaux les plus courants était celui d’être dans la voiture avec ses parents, la radio allumée. Cela reste gravé dans les mémoires. Cette installation est donc une sorte de clin d’œil à cela : aux sous-cultures automobiles, aux systèmes de sonorisation, à l’idée de créer nos propres pistes de danse et lieux de jeu.

Des directions immersives façonnées par la collaboration du public

L. K. – Une chose très importante pour nous est de construire un nouveau type de modèle de travail, même au sein de notre département. Nous travaillons de manière incroyablement collaborative. Lorsque nous créons une nouvelle production ou une nouvelle exposition, nous organisons de nombreux ateliers, non seulement avec des experts, mais aussi avec le public, afin d’aller au cœur de concepts nouveaux et passionnants. Ce type de collaboration fait appel à des conseillers et à des leaders d’opinion dès le départ.

Nous avons évidemment un public de base en tête, qui est généralement composé de personnes âgées de 18 à 35 ans. Cependant, nous nous engageons également auprès d’un public beaucoup plus large. Ce qui est très important, c’est que nous ne parlons pas au public, mais que nous l’invitons à participer au processus. Nous ne nous contentons pas de parler, nous écoutons. C’est un élément fondamental de la manière dont nous voulons programmer, collaborer et créer.

Nous étudions actuellement de nouvelles possibilités de mise en service afin de créer une offre numérique et XR gratuite.

Pour être honnête, nous avons toujours été un peu hésitants à l’égard des expériences basées sur les casques. Même si nous les aimons beaucoup, nous travaillons également dans le cadre d’un modèle commercial – même si le Barbican lui-même est à but non lucratif – et il a été difficile de trouver des moyens de rendre les expériences avec casque viables. Mais les choses changent. Ces expériences basées sur la localisation évoluent. De nouveaux modèles émergent, qui permettent à un plus grand nombre de personnes de participer, et cela ouvre des possibilités que nous ne pensions pas réalistes il y a seulement quelques années.

C’est pourquoi nous étudions maintenant plus sérieusement la manière dont nous pouvons apporter ce type d’expériences au Barbican.

Nous réfléchissons également à une programmation complémentaire pour accompagner nos grandes expositions et nos coproductions, un contenu que nous pourrions faire venir de partenaires extérieurs. Nous examinons ce qui existe déjà et nous nous demandons comment nous pouvons accueillir ce contenu. Même si nous aimons que nos expositions fassent l’objet d’une tournée internationale, il est très utile d’apporter des perspectives mondiales au Barbican. C’est la raison pour laquelle nous travaillons avec des partenaires internationaux : cela nous donne une vision que nous ne pouvons tout simplement pas générer seuls à Londres.

Cet échange a quelque chose de très spécial : nous envoyons notre travail dans le monde entier, mais nous apportons aussi un contenu mondial. Cela donne l’impression d’une conversation.

À partir de 2026, nous ne nous contenterons pas d’apporter de nouveaux contenus internationaux. Bien que je ne puisse pas encore en dire trop, nous explorons également des façons de programmer en dehors des murs du Barbican. Nous nous demandons comment nous pouvons amener le contenu dans le domaine public et impliquer le public dans toute la ville. Tout cela est encore en cours d’élaboration, mais c’est quelque chose qui nous enthousiasme vraiment !

Le Barbican, une plateforme pour la distribution de XR

L. K. – Le réseau XR au sens large m’a permis de comprendre à quel point la question de la distribution est essentielle. Il y a tous ces projets fantastiques et étonnants qui sont réalisés, et des festivals incroyables qui les présentent. Mais contrairement au monde du cinéma, où les festivals mènent souvent à la distribution et à l’exploitation en salle, le XR ne dispose pas encore de ce type d’infrastructure.

C’est là que je pense que nous pouvons intervenir. Nous pouvons être un espace qui accueille ce contenu – en particulier les œuvres présentées en avant-première dans les festivals – et nous espérons qu’avec le temps, nous participerons au développement des talents et à l’établissement de relations à long terme avec les créateurs. En ce sens, nous nous considérons comme une plateforme d’expériences immersives.

À cet égard, une grande partie de notre financement est interne. Il provient du Barbican lui-même et de la ville de Londres, puisque le Barbican est techniquement un département de la ville. Il y a énormément de talents qui se développent, tant au Royaume-Uni qu’à l’étranger. Bien sûr, il y a des problèmes de financement, et vous pouvez voir le contraste, surtout lorsque vous regardez comment certaines parties de l’Europe soutiennent ce type de travail. Mais je crois vraiment que le Royaume-Uni dispose d’un potentiel énorme pour progresser.

Notre rôle, je l’espère, est d’être un espace où ce contenu incroyable peut être vu – et pas seulement les choses sûres. Nous voulons aussi montrer des œuvres audacieuses et stimulantes. Nous voulons surprendre les visiteurs et les amener à repenser ce que peuvent être les expériences XR et immersives.

Oui, il y a des défis à relever. Mais je pense aussi qu’il existe une énorme opportunité pour nous, en tant qu’institution, de montrer la voie en faisant du contenu expérientiel l’une de nos principales formes d’art. C’est un enjeu majeur pour nous. C’est ainsi que nous contribuons à l’écosystème et au réseau au sens large.

Au fur et à mesure que nous développons ce projet, certaines de nos commandes pourraient devenir un espace de travail avec des innovateurs en début de carrière, des personnes avec lesquelles nous pourrions éventuellement collaborer sur des expositions de plus grande envergure. En élargissant notre propre programmation, nous pourrons réfléchir davantage à la place des différents collaborateurs dans notre calendrier. Et surtout, nous pouvons leur offrir la possibilité de faire des tournées internationales.

S’appuyant sur deux décennies d’expériences immersives

L. K. – Nous avons de solides antécédents en matière de tournées : la plupart de nos expositions tournent pendant au moins cinq ans, souvent plus longtemps. Et puis il y a Game On,, qui tourne depuis plus de 22 ans maintenant – elle doit être un peu la détentrice d’un record, vraiment. Bien sûr, nous l’avons actualisée, ce n’est donc pas exactement la même chose, mais cette exposition représente vraiment l’engagement de longue date du Barbican envers ce type d’œuvres.

En 2002, Game On était pratiquement la première histoire des jeux vidéo jouable au monde. L’introduction de ce type de contenu au Barbican à l’époque témoignait d’une réelle intention. Il s’agissait d’adopter l’interactivité et l’engagement dans les galeries et les espaces d’exposition. Il y a ici une véritable histoire de désir et de volonté d’explorer ce type de contenu.

Ce que nous faisons aujourd’hui, c’est donner à cet héritage une orientation plus précise. Si les gens comprennent notre position, notre point de vue et notre orientation, ils pourront mieux voir où nous nous situons dans l’écosystème au sens large.

Un autre élément clé est notre modèle de coproduction pour ces projets plus importants. Il y a tellement de possibilités de réfléchir à la manière dont nous pourrions coproduire des commandes ou d’autres œuvres à l’avenir, non seulement avec des créateurs, mais aussi avec des lieux. Certains lieux peuvent être un peu hésitants à s’engager dans cet espace, ou ne pas savoir comment accueillir un contenu immersif. C’est là que nous pouvons être des partenaires.

Nous pouvons collaborer avec eux, montrer comment cela peut être fait, partager nos méthodes et travailler ensemble pour développer de nouveaux contenus. D’une certaine manière, nous pouvons aider à montrer aux sites ce qui est possible.

Barbican Immersive : un lieu où le numérique et le physique peuvent fusionner

L. K. – Pour nous, l’immersif n’est pas purement numérique. Lorsque vous venez voir Feel the Sound, nous croyons fermement qu’il faut créer un lien entre le théâtre et la physicalité. Nous emmenons les gens dans des mondes et nous construisons des portails de projet dans lesquels ils peuvent entrer. Et si ces portails comportent souvent des éléments numériques, ce n’est pas toujours nécessaire. La création d’une atmosphère physique forte est tout aussi importante que la technologie elle-même. Et je pense que nous le constatons de plus en plus dans les expositions internationales.

Cela nous ramène à l’idée de l’accueil. Vous voulez que les gens aient l’impression d’être introduits en douceur dans une expérience. Ils auraient pu sortir de la rue il y a cinq minutes : comment créer une transition vers quelque chose qui va les transformer complètement ?

Je pense que ce qui est passionnant en ce moment, c’est la situation dans laquelle se trouve l’industrie. Il y a tant de personnes brillantes et engagées qui travaillent dans le domaine de l’immersif, mais l’immersif est encore en train de se définir. Il existe tout un éventail de possibilités, et nous commençons à nous demander quelle est notre vision de l’immersif ? Que signifie l’immersif pour le Barbican et que pouvons-nous apporter à cette conversation plus large ?

Et peut-être que pour nous, il s’agit d’être presque théâtral, de se concentrer sur le public, sur la façon dont les gens se sentent à l’intérieur de l’expérience.

Dans le même temps, la technologie des casques devient plus accessible et nous assistons à des projets d’envergure qui touchent un large public, comme TONIGHT WITH THE IMPRESSIONISTS – PARIS 1874 au Musée d’Orsay ou THE INFINITE par le Centre Phi. Ces spectacles attirent le public et prouvent qu’il y a un énorme appétit pour ce type de contenu. Il y a tout un éventail : des œuvres expérimentales de pointe que nous voyons dans les festivals aux expériences immersives à plus grande échelle et plus commerciales, comme Frameless ici à Londres, qui montrent que les publics de masse sont prêts à s’engager.

Nous nous demandons comment opérer dans ce contexte, en apportant des idées audacieuses, surprenantes et stimulantes à un public plus large qui est avide de ce type de travail, tout en étant attentif au contenu grand public.

Je pense que l’espace entre ces deux extrémités du spectre… est un endroit vraiment intéressant. Et c’est là que nous nous voyons.

Feel the Sound @ Barbican, a line-up

Created especially for Feel the Sound, four new commissions resonate from the past, reverberate with the future and transform our understanding of space and time:

• Observatory Station by sound artist Miyu Hosoi, with contribution from global sound project Cities and Memory, mixes archive field recordings from around the world with sounds from across the Barbican to ask visitors arriving at Silk Street to imagine the daily life of a stranger.

• UN/BOUND by TRANS VOICES, ILĀ & MONOM, with contribution from Patty Ayukawa, invites visitors to wander through a holographic choral experience and connect to a vivid soundscape by listening or using their own voice. UN/BOUND reveals the voice as a means of true expression, illuminating new spaces of belonging and collective resonance, where deep listening acts as a catalyst for change.

• Your Inner Symphony, a collaboration between Kinda Studios and Nexus Studios, fuses neuroscience and design, making our internal vibrations visible to reveal the unseen connection between music, emotion, and the body’s response.

• Joyride by Temporary Pleasure is the first ever installation to spill out of the Barbican and into the car park to recall the Y2K era of boy racers and rave, modified car sound systems and DIY music.

Three further commissions are adapted by the artists for the exhibition:

• Resonant Frequencies created by artist Evan Ifekoya and adapted following their solo exhibition at Migros Museum, Switzerland, features two works – The Welcome and The Central Sun – which incorporate frequencies believed to have healing effects. With focused, intentional listening, visitors can synchronise their bodies with their surroundings to find harmony and repair.

• Resonance Continuum created by artists Murthovic and Thiruda of transmedia collective Elsewhere in India, imagines a musical odyssey that amplifies South Asian traditions and promotes a decolonised, hopeful vision of the future.

• Forever Frequencies created by Barcelona-based Domestic Data Streamers employs generative AI to craft unique melodies based on the answers to two questions: ‘What is a memory involving music that you would like to relive?’ and ‘What musical moment would complete your life’s story?

Feel the Sound also includes two experiential spaces titled Embodied Listening Playground and Sonic Listening Playground, co-created by Nicole L’Huillier with Sarah Mackenzie and the team from MUTEK, which encourage visitors to listen not just with their ears, but with their whole body, exploring how sound shapes our connection to ourselves, each other, and the environments we inhabit. Among the artists featured in these experiential spaces are Dame Evelyn Glennie, Holly Herndon, Ryuichi Sakamoto and Daito Manabe.

Completing the journey, Feel the Sound heads outside onto the Lakeside Terrace with Raymond Antrobus’ Heightened Lyric which is commissioned to acknowledge the gap often found between the hearing and non-hearing world. Seven kites flying high above the Lakeside serve as a heightened tribute to sounds that have gone unheard. Each kite carries an extract of poetry about (missing) sound, accompanied by the British Sign Language interpretation of the words. The physical space occupied by these sculptures in the sky is combined with a striking absence of audio.