Preview⎜Présentation du programme de Tribeca Immersive 2025, “In Search of Us”, avec Onassis ONX et Agog

Après son édition d’œuvres d’art numériques à Mercer Labs l’année dernière, le programme immersif du festival du film de Tribeca se tourne maintenant vers une itération qui englobe des œuvres couvrant plusieurs formats et plusieurs voix. Le programme, qui débute avec le festival le 6 juin et se poursuit jusqu’à la fin du mois, est présenté en partenariat avec Onassis ONX et Agog.

Son thème « In Search of Us » explore les réalités urgentes et compliquées de notre époque contemporaine. Nous nous sommes entretenus avec les commissaires Casey Baltes (Tribeca) et Jazia Hammoudi (Onassis ONX) au sujet de l’orientation actuelle, du thème et du désir d’ouvrir le paysage immersif.

Cover: A FATHER’S LULLABY, by Rashin Fahandej

Casey Baltes – La création immersive a évolué rapidement et de façon multiple au cours des dix dernières années. Tribeca n’a jamais hésité à dire « essayons quelque chose de nouveau ». Nous voulons vraiment repousser les limites de ce qu’est l’immersif, et parfois cela signifie changer les formats et trouver des partenaires qui peuvent nous aider à le réaliser.

C. B. – Ce que je constate depuis quelques années, c’est une évolution en dehors de la proposition commerciale classique vers les institutions culturelles, vers des espaces qui n’ont pas encore montré ce type de travail ou qui commencent à le faire, ainsi que vers des artistes qui ne viennent pas forcément de l’écosystème originel de l’immersif – des artistes visuels, des artistes numériques. Nous entretenons depuis longtemps d’excellentes relations avec Onassis ONX, qui était le partenaire idéal pour ce projet.

C. B. – Nous partons presque toujours de l’espace dans lequel nous nous trouvons, la nature de l’immersion étant un exercice très physique. Mercer [Labs] est un espace qui doit vraiment être conçu. J’ai l’impression que WSA [Water Street Projects] est une toile vierge dans laquelle nous pouvons travailler. Il est très flexible – c’est un espace magnifique et gigantesque qui est vraiment conçu pour cela, ce qui nous a permis de nous appuyer sur des formats multiples. L’année dernière a certainement été l’un de ces moments où nous avons voulu essayer quelque chose de nouveau et d’audacieux. Cela ne signifie pas nécessairement que chaque année doit être identique. C’est un exemple qui montre que nous devrions tous expérimenter.

Comment avez-vous abordé le programme cette année ?

Jazia Hammoudi – Notre objectif était de sélectionner des projets que nous pourrions présenter comme des installations à grande échelle, de fournir un budget à l’artiste et de présenter des œuvres d’art dignes d’un musée ou d’une institution qui ont beaucoup à dire – et beaucoup d’attrait pour le public. Une grande partie de cette démarche a consisté à prendre en compte la dimension complète de ces projets. À ONX, nous considérons nos membres et nos artistes comme des bâtisseurs de mondes, et nous voulions considérer les projets de Tribeca comme des univers à part entière. Chacun d’entre eux comporte donc de multiples points d’engagement avec le public. Certains projets ont pour support des casques, mais aussi des projections ou d’autres éléments. Il y a des installations qui ont des composants AR ou interactifs.

J. H. – Nous essayons de rencontrer le public d’une manière vraiment ouverte et accessible, afin qu’il puisse venir et s’engager dans ces mondes de différentes manières. Les angles et les modes d’approche sont multiples : l’immersivité ne se limite pas à certains éléments de la technologie propriétaire, elle est très multimédia et se situe entre le physique et le numérique.

Avez-vous fait un brainstorming sur le concept, puis sélectionné des pièces, ou avez-vous vu différents travaux et vous êtes-vous demandé comment ils s’assemblaient d’une manière qui ait du sens pour nous ?

C. B. – Nous ne voulons pas restreindre le processus d’évaluation à un thème spécifique, nous voulons vraiment sonder le paysage et voir ce qui se trouve en haut de notre liste. Nous en tirons des thèmes, mais parfois cela se fait naturellement, vous pouvez voir où les artistes ont la tête. Nous devrions suivre leur exemple, plutôt que de prescrire un thème pour la conservation. Nous regardons le paysage, nous regardons ce que nous pensons de la programmation. Lorsque tous les éléments sont alignés, le thème commence généralement à venir à nous.

C. B. – Nous avons reçu plus de 200 propositions, un grand nombre de travaux vraiment fabuleux. C’est à partir de ce groupe que les idées de programmation ont commencé à germer. C’était vraiment une indication de la santé du domaine. Il y a une grande diversité de formats et d’idées dans lesquels les artistes travaillent, essayant vraiment de comprendre ce que cela signifie d’être humain en ce moment. Qui sont nos communautés ? Quelles sont les idées qui nous préoccupent sur la planète en ce moment ? J’ai eu l’impression que les artistes se penchaient d’urgence sur le monde d’une manière très tangible, matérielle et aussi philosophique. Ce n’était pas un monde de soumissions qui se situaient dans un autre espace conceptuel ou hautement esthétisé. Il était vraiment intéressant de voir à quel point la pensée artistique est ancrée dans la réalité.

C. B. – D’un point de vue curatorial, nous avons vraiment essayé d’examiner le moment présent. C’est là que le titre « In search of us » prend tout son sens. C’est un moment très intense sur notre planète. Nous sommes tous dans la tourmente, nous nous posons tous beaucoup de questions et nous sommes tous à la recherche d’une communauté. Nous essayons de trouver des œuvres qui révèlent des histoires inédites ou des communautés cachées, qui s’intéressent à l’histoire et qui considèrent l’art comme un moyen d’aborder l’histoire et de la présenter de manière multidimensionnelle.

C. B. – Nous avons des oeuvres qui traitent de conflits contemporains, d’archives perdues, d’avenirs climatiques… L’objectif était d’aborder ces projets difficiles, de les faire réfléchir et de les éclairer, mais aussi de les accompagner. Chaque œuvre contient un appel à l’action. Et j’espère que chaque œuvre vous conduit dans un endroit spécifique, avec des histoires difficiles à gérer, puis vous en sort et vous fait réfléchir. Certaines de nos œuvres font partie intégrante de l’installation et proposent un service de suivi. C’était important, parce que parfois nous sommes tellement concentrés sur l’immersion du public dans ce monde époustouflant, mais nous ne pensons pas à notre responsabilité envers lui dans cette intensité physique et émotionnelle.

C. B. – IN THE CURRENT OF BEING est une pièce très percutante sur la thérapie de conversion qui raconte l’histoire d’une femme dont le genre et la sexualité ont été traités comme une maladie. Il y a des interactions haptiques (veste, gants..) – vous avez cette simulation d’électrochocs. Lorsque j’en ai entendu parler pour la première fois, je me suis demandé si l’on avait besoin de cela pour s’immerger dans cette histoire et la ressentir. Mais ce qui est intéressant, c’est que cette simulation d’électrochocs est suivie d’une zone de soins où l’on trouve de nombreuses informations sur les thérapies de conversion et sur les mesures à prendre pour lutter contre ce type de politiques.

C. B. – A FATHER’S LULLABY traite des pères incarcérés, de la perte de la famille et de la communauté qui résulte de l’État. À l’extérieur de l’espace de projection principal, vous aurez la possibilité d’enregistrer votre propre histoire, qu’il s’agisse d’une expérience d’incarcération ou simplement de vos pensées.

C. B. – Dans INNOCENCE OF UNKNOWING, les artistes ont utilisé une IA pour regarder les séquences des médias d’information sur les fusillades qui ont eu lieu aux États-Unis depuis les années 60. Il en ressort une chorégraphie de comportements autour de ces incidents… de ce qui arrive aux corps à ce moment-là. Il y a une vidéo à deux canaux de ces archives et il y aura également une performance de lecture chaque jour avec l’IA sur ce qu’il faut glaner à partir de ces séquences.

C. B. – THE FOUNDERS PILLARS, réalisé par le collectif AR du MIT, sera affiché à la Bourse de New York, en souvenir de tous les peuples réduits en esclavage qui ont réellement construit ce pays. Ils ont également créé un film piloté par l’IA sur les traditions textiles africaines, qui sera projeté sur un métier à tisser traditionnel d’Afrique de l’Ouest. J’aime beaucoup apporter cet élément sculptural à une exposition XR. Nous essayons vraiment de ne pas nous limiter à l’écran, mais de présenter aussi ces puissants emblèmes physiques de la créativité humaine.

C. B. – Il y a aussi une pièce musicale et de remix intitulée NEW MAQAM CITY, réalisée par un collectif musulman futuriste, qui vous permet de remixer de la musique et des sons d’Afrique du Nord, d’Asie du Sud-Ouest et du Moyen-Orient. Il y a des rythmes de batterie 808, et c’est inspiré par les pratiques soufies pour la musique et le rythme en tant qu’éléments de la transcendance. Nous verrons comment les gens s’engagent – veulent-ils vraiment être individuels ou trouvera-t-on des petites foules spontanées de gens qui dansent sous la houlette d’un DJ ?

C. B. – L’une de nos pièces les plus conflictuelles est peut-être celle qui a beaucoup tourné en Europe, AI AND ME. Ce sera la première fois qu’elle sera présentée aux États-Unis, ce qui sera très différent. Nous sommes beaucoup plus identitaires et plus diversifiés sur le plan ethnique et racial, et il sera donc intéressant de voir comment nous serons confrontés au jugement de l’IA.

C. B. – BOREAL DREAMS traite de la disparition de la forêt boréale. Il s’agit d’une expérience visuelle très poétique sur un mur LED à deux faces, avec un son spatialisé, qui vous emmène à travers cet écosystème. L’expérience web qui l’accompagne se fait sur des iPads, où l’on peut explorer les forêts boréales sous différents climats et voir l’impact très réel de quelques degrés de changement climatique sur cet écosystème. L’œuvre traite de l’impact de l’environnement et du climat sur nos rêves et notre vie intérieure – un domaine sous-exploré du changement climatique, de ces réalités internes catalysées et de leur impact sur le subconscient.

C. B. – THERE GOES NIKI est vraiment spécial parce qu’ils ont pu capturer volumétriquement Nikki Giovanni, qui est décédée récemment, en train de réciter un de ses poèmes emblématique. Cette puissante poétesse des droits civiques nous présente un avenir techno différent à travers la métaphore de Mars, à travers notre rôle d’explorateurs et de jardiniers, et en pensant à ce vaisseau spatial du futur non pas comme une colonisation, mais comme un jardinage, une communauté, une croissance commune et une possibilité, ce qui semble vraiment important à l’heure actuelle.

Le thème « In Search of Us » arrive à un moment où tous les sujets du programme sont dans l’actualité au quotidien.

J. H. – Nous avons réfléchi et discuté très sérieusement, avant les soumissions, de notre responsabilité en la matière, et nous avons beaucoup pensé à la communauté et aux publics que nous voulons amener à cette exposition, ainsi qu’à notre rôle en tant qu’intendants de l’art et de la culture. Nous voulions répondre aux besoins que nous avons vus émerger des candidatures et de nos communautés créatives.

C. B. – Du point de vue du calendrier, il s’agit d’une initiative audacieuse, mais elle n’était pas destinée à aller au-delà de ce que nous faisons toujours à Tribeca : offrir des plateformes aux artistes pour qu’ils puissent partager leurs histoires et ne pas avoir peur d’exprimer leur point de vue.

J. H. – If the show has any political perspective overall, it’s about inclusivity and the importance of a multiplicity of voices, rather than trying to present a singular perspective. It did not feel like the time for purely playful, esthetically-driven experiences. It really felt like we had an opportunity to do something more impactful, to be a little bit courageous and try to platform artists who are asking the hard questions. They’re not afraid. So we need to be arts, right? That’s great, and make that space for them.

The current state that we’re in for immersive is so wide and it’s moving outside of festival spaces, inside of arts institutions, and beyond. How is that reflected in the programme?

C. B. – I think all the time about what makes a festival relevant to artists, and try as hard as I can to speak to that. We talked a lot about premiere status and what its function is, what it means, the importance of it. Premiere status tends to be a metric, but the way we evaluated was – what audiences haven’t seen this, and is this an opportunity for that to happen?

J. H. – We’re really seeing the ways that the industry is becoming much more collaborative and a lot more inter-institutional work around the production and exhibition of XR work. Part of our work with the artists this year was to be very collaborative, working with them on how to build out full scale installations, and think about how they’re in conversation with other pieces and the exhibition as a whole. No artist or installation is an island in itself – there’s a cohesion and various strands of story that we’re trying to tell throughout the whole thing.

J. H. – One of the strengths about WSA as a mixed-use cultural institution is that they have these gorgeous, wide open spaces that they’re willing and able to design and make new with every program.

J. H. – And the exhibition extends beyond its physical footprint– you can go out into the world and happen upon an AR activation. We’re trying to expand what the festival is, move it away from premieres, move it away from being insider or industry. This is an exhibition that’s really for greater New York and we want to invite everyone. Part of that was also making ticket prices more accessible – the ticket price will be $20. There isn’t a $500 pass you need to buy. The public hours are 1-6 pm, and it goes one for a month. We’re really trying to make this for everyone. We’re also thinking in those additional weekends, how are other ways that we can activate other networks and communities?

J. H. – The idea is this kind of expanded exhibition…we really want people across the whole city, and to look at this moment as a moment for art and advanced technologies.

C. B. – There’s also the state of funding in the US related to immersive works. Agog is really leading the charge in that and doing excellent work. There was an interest to provide artists’ support and to make sure that we were financially able to both produce a really robust exhibition, but also try to be as collaborative with the artists as possible. Agog’s focus is on social impact; and the history of XR and immersive work leads naturally into social messaging and impact. So it was a really good fit.

J. H. – Their input, which was a very important one, was about impact. They asked that we think very carefully about impact and social good, which has shaped the program really positively. I think that each project has a strong message and a kind of open invitation to engage with new information, to interact and contribute from the audience.